Lange Hallfahnen dominieren das Wohlgefühl. Ist es noch ein Glissando oder ist es schon der Hauch der Geliebten, die sich übers Geländer beugt? Der Prozess der Selbstharmonisierung hat längst eingesetzt. “Ravedeath, 1972″ und “Dropped Pianos” haben dieselben Eltern. Hier macht der eine Vater was er will und reißt die Orgel aus der Kirche, da verlustiert sich der andere Vater in Melancholie. Beide Alben gehören zusammen, können aber auch auf eigenen Füßen stehen. Die windige Platte, die manchen bösen Traum beschwört, gefällt mir persönlich besser, aber im Wechsel haben auch die Sketches der Dropped Pianos-Scheibe ihren Reiz. Hecker macht sich nackig und stripped alles down, was sich als affektierte Emotion ins Geschehen wirft. Guter Mann. “Dropped Pianos” ist die Eso-Platte für die Weinverkostung mit Käseigel und “Ravedeath, 1972″ ist der Husarenritt auf den Schultern von Marty Feldman, der mit geschlossenen Augen den Hügel runterfetzt. Beides zusammen lässt mich dann wirklich taumeln. Stark!

Tim Hecker: Dropped Pianos by alteredzones

Mark McGuire gibt sich seinen Drones hin, reichert sie mit flockigen Gitarren-Synths an, die sich plockernd in die Mitte schieben, um der Kraft der Gitarre mit all ihren Pedalen zu strotzen. Ein Wind zieht auf. Eine Brise nur, doch die hat es in sich. McGuire ist ruhiger geworden. Sogar seine Stimme darf mal sanft mitträllern. Ein Picking wird zur Fingerübung. Ein dunkler Ton holt den Winter in den Poncho. Wie viele Gitarren muss man für den Scheiterhaufen schichten?

McGuire versucht es mit Transzendenz. Mit verhuschter, doch kraftvoller Esoterik. In “Alma” wiederholt er “It must resolve, we try and evolve.” Doch eigentlich braucht er keine Worte. McGuire verliert sich nicht. Er rutscht nicht ab. Er bleibt auf der Welle der Arpeggios. Bei ihm kann man nicht von einem Gitarrensolo sprechen. Auch wenn sich mal eine Idee in den Vordergrund drängt, verlieren die restlichen nicht an Gewicht. Harmonien zerfallen in Wohlgefallen.

Am Ende gibt es einen Zwanzigminüter, der wie ein Vögelchen fiept und in einem Fluss versickert. Also doch irgendwie Lost. Doch der Wasserfall hört einfach nicht auf. Von oben kommt immer irgendetwas nach. McGuire hat einen neuen Zimmerbrunnen veröffentlicht. Solide!

Mark McGuire – Get Lost – Get Lost (editions mego) by pdis_inpartmaint

Das Analoge wird in den Vordergrund geschoben, das kann mit Tempo passieren, doch ohne hörbaren Beat. Pianogriffe werden runterreduziert und erhalten von Anfang an einen Schnellkurs in sachen Hypnose. Räume werden mit Zeit ausstaffiert, da kommt einem ein heftiges Klavierthema gar nicht mehr wie ein Schlaghammer vor.

Hinter der Scheune steht die alte Glasfabrik. Manchmal hört man den Brenner oder ist es der Bläser? Melancholie macht sich dick, um Europa und insbesondere Schweden, die Altersschwäche vor Augen zu führen. Der Hals schwillt an, jetzt werden die nächsten Bissen nicht mehr so locker durch die Röhre flutschen und auch der Hall gibt sein Bestes. Zum Nachtisch bieten uns die beiden Schweden noch etwas Sakrales an. Ein Doggybag muss herhalten. Die Tischdecke leuchtet immer noch blütenweiß.

Malcolm Pardon und Peder Mannerfelt widmen sich der ausgelassenen Hingabe, der Opener-Lobpreisung und den Glockenschlägen. Dieses Krautrock als Beilage aus Dosen ist nicht jedermanns Geschmack, schmeckt aber nach Authentizität. Wie zwei Hyperaktive werden sie an den Tisch gebunden und löffeln die ganze alte Scheiße. Und am Ende ist wieder einmal Charlie Brown der Loser. Roll The Dice sind angenehme Zeitgenossen, deren Ausflüge nicht immer Sinn machen, dafür aber Spaß.

Sun Araw schaut im alten Rom vorbei, pustet einmal Wolfgang Helbig über die Schultern und verfängt sich im Traumgebilde eines Nero. Es wird sich Zeit gelassen, eine Höhle bekommt ihr Fett weg oder ist das ein Windzug? Wichtig bei Sun Araw ist die Selbstinszenierung. Der Klang spielt eine wesentliche Rolle. Es geht um Deutung und Versuch. Wie weit darf man es treiben, wie sehr liebt man Pink Floyd? Die Tracks plätschern, wie ein kleiner Wasserfall minutenlang herab. Eine Stimme kommt aus dem Dub-Nichts und singt Phrasen. Die Atmosphäre spielt die Musik. Psychedelische Rockmusik nimmt sich die Mütze von der Birne und streicht sich das klatschnasse Haar aus der Stirn.

Fünf Jahre lang begibt sich Angelino Cameron Stallone nun schon auf deepe Zonenreise. Drones kippen ins Gefühlige, Bongos huschen über Wüstenstaub und zehn Minuten sind und bleiben zehn Minuten. Synthesizer loopen sich nen Wolf. Wie bei einem Mantra werden Wiederholungen zur Beruhigung gereicht.

Die Nacht bricht herein, der Joint kreist wahllos durch die Hände und das Chaos regiert, doch auch in dieser Phase bleibt etwas Tantrisches übrig, was einen entweder unglaublich wuschig macht oder den letzten Nerv raubt. Such dir was aus!

Sun Araw: Ancient Romans by alteredzones

TwinSisterMoon: Then Fell The Ashes… by alteredzones

Ein Register schwillt, halbtief, als Bordun. Länglich und synthetisch, lümmelt es sich im Gewand analoger Synthesen mit charmant altmodischem Timbre. Daraus erwachsen Basssequenzen, die an Schlichtheit nicht zu überbieten sind. Wir bewegen uns auf irgend etwas, das langsam Fahrt aufnimmt. Es hat keine Kontur, kein Gesicht. Stattdessen steht der Anspruch einer Klangalchemie im Raum. Diese vertritt die These, Cello, Akkordion und Gitarre in etwas zu verwandeln, das sich zwischen Sinus und Sägezahn harmonisch verschleifen lässt.

Nach dem Achtungserfolg von „Choral“ 2009 schleifen Brendon Anderegg und Koen Holtkamp ihren hybriden Ansatz der Unterfütterung des Elektronischen mit akustischen Instrumenten nun in noch feinerer Meisterschaft. Alles was in den Schichtungen aufgetragen wird, findet einen sinnvollen Platz im Gesamtgefüge. Sentimentalität und andere Gefahren wurden rückstandsfrei weggehobelt. Was zurückbleibt ist die sonore Form eines stabilen Objektes. Ein Mountains-Livetermin könnte spannend werden.

„Air Museum“ ist im Mai bei Thrill Jockey erschienen.

Mountains – Thousand Square (from Air Museum, Thrill Jockey, 2011) by cafeOTO

Größere Strukturen oder gar Standardarrangements sind inakzeptabel. Die Bridge hat Hausverbot und der C-Teil ist unbekannt verzogen. Die Entdeckung von Langsamkeit und Verklärung ist nun auch bei Prefuse 73 angekommen. Die charakteristischen rhythmischen Schaltkreise des Guillermo Scott Herren sind in Auflösung begriffen. Stattdessen begünstigt ein starker Effekteinsatz weichere Schichtungen seines mehr und mehr kryptischen Klangmaterials. Die neuen atmosphärischen Verhältnisse sind so dicht, dass anscheinend kein Platz mehr bleibt für Groove-Experimente. Das aus den sechs Vorgängeralben bekannte Räderwerk aus HipHop- und jazzbeeinflussten Miniaturen ist ambiencenhaft verklärten Wallungen gewichen.

Ist das nun eine Weiterentwicklung oder nur ein kurzes Innehalten auf dem sicher noch nicht abgeschließend begangenen Pfad ambitionierter rhythmischer Studien? Auf jeden Fall ein weiteres Album, dass man eher selten gemeinsam mit seinen Freunden bei Kaffee und Kuchen hören wird. Aber warum eigentlich?

„The Only She Chapters“ ist im April 2011 bei Warp erschienen.

Die Grundformel des Albums erscheint ebenso einfach wie risikolos. Die Begegnung zwischen introvertiertesten meist akkordischen Klavierinjektionen und kühler Basis-Elektronik findet auf kleinstem gemeinsamen Nenner statt, auf dem die Hauptcharakteristika der Einzelmusiker als Markenzeichen erkennbar bleiben. So setzt sich keiner der beiden zu irgend einem Zeitpunkt der Gefahr aus, dem anderen auf die Füße zu treten. Man kennt sich. Vielleicht zu gut?

Jeder bleibt in seiner gewohnten Genreecke, ohne dem Gegenüber Raum abzugraben. Ohne jegliche Dominanz einzufordern. Keiner legt die Hand an das Leitstimmenzepter. Überhaupt, welche Leitstimme? Schnittmengen werden nicht gesucht und auch nicht gefunden. Weder Absichten noch Zufälligkeiten scheinen irgendwelche Klangereignisse zu evozieren. „Summvs“ ist das Gemeinschaftsprojekt zweier Könner ihrer Fächer, dass zwar nichts falsch macht, dass aber in seiner erkenntnisfreien Bescheidenheit schnell in den staubigen Tiefen der Archive versinken könnte.

„Summvs“ ist im Mai bei Raster-Noton erschienen.

AR – Wolf Notes by _type

Titel wie „Schwarzschild Radius“ deuten metaphorisch das Überschreiten von Grenzen an. Grenzen, hinter denen das Ungewisse liegt, über das wir nur Mutmaßungen anstellen können. Das klingt auf den ersten Blick vielleicht esoterisch, ist es aber ganz und gar nicht. Denn hinter den Grenzen sitzt die Dynamik schon aus physikalischen Gründen in der Falle. Hinter dem Ereignishorizont, den wir zuvor selbst definierten, spielt die Dynamik überhaupt keine Rolle mehr. Sie ist eingeschlossen im Eigengewicht ästhetischer Texturen. Glattpoliert glühen sie in bescheidenem Glanz. Sie sind so gut wie unangreifbar. Sie sind lang und breit und ziemlich gleichförmig. Es fällt schwer sie zu beschreiben.

Das Universum des aus Saarbrücken stammenden Klangkünstlers Stephan Mathieu, der auch schon mit Taylor Deupree, Akira Rabelais und Ekkehard Ehlers zusammen arbeitete, ist geprägt von Konzepten aufwendiger Klangverarbeitungsprozesse.  Für „A Static Place“ bestand sein Rohmaterial aus alten 78er-Schellackplatten mit Aufnahmen von Gotik- Renaissance- und Barokmusik. Diese frühen Aufnahmen, auf ebenso betagten Grammophonen abgespielt, wurden in der Folge von Mathieu einem komplexen Verarbeitungsprozess unterworfen, der ebenso aus mechanischen Phasen (Abtastung der Platten mit Kaktusnadel), wie auch aus digitalen Elementen (Spectral-Analyse / Convolution Process) bestand.

Wir befinden uns also stehend, fliegend oder liegend in sich leicht verändernden Klangflächen, deren Größe und Geschliffenheit uns sprachlos macht. „A Static Place“, das wird sehr klar, ist nicht irgend ein weiteres Ambientalbum. Es ist groß. Vielleicht erklärt uns demnächst das Vermächtnis eines Stanislaw Lem, warum darin eine neue Sprache verborgen ist, zu der wir nur noch den Schlüssel finden müssen. Wir sollten zuhören – for a very long time.

“A Static Place” ist im Februar 2011 bei 12k erschienen.